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　　李國聰出生於梅山鄉龍眼村，藝專美術科國畫組畢業，是科班出身的水墨畫家。在學時就已充分展現繪畫的才華，在師長的心目中是最傑出的一位學生，因此以第一名的成績畢業。畢業後他又去就讀師範大學美術系，其後也考入該校的研究所。
　　早在就讀大學時期，他就曾經參加「台灣省學生美展大專組」獲得優選，由此可見他的繪畫功力，早在學生時期就已經是佼佼者。
李國聰的繪畫題材極為廣闊，舉凡山水、花鳥、梅蘭竹菊、人物等等皆能入畫，他的水墨山水畫氣韻生動，筆法凝練；花鳥畫和梅蘭竹菊等則生意盎然，筆墨瀟灑流暢。
　　凡是看過李國聰水墨畫展的人都會發現，他的作品風格竟然如此多變！有些是工筆畫，用筆精細，風格富麗工巧；有些是寫意畫，不求形似，風格豪放；也有畫風接近抽象的作品，例如他的荷花系列，其中有幾幅縱橫不拘繩墨，筆意恣縱。很少有水墨畫家的畫風能夠如此多變！
　　李國聰的水墨畫作品常常在各地舉行畫展，例如在嘉義市文化中心、新營文化中心都展過，也舉行過全台巡迴展。由於他的深厚水墨畫功力，而被聘為嘉義市美展國畫評審。他是實力派畫家，有些和他年齡差不多，在大學美術系教水墨畫的教授級畫家，所畫的作品有時仍然要拿來向他請教，和他切磋有沒有需要改進的地方，由此可見他在畫壇中的份量！台灣藝術大學曾在去年（2016年）選出台灣最有成就的80位畫家，雖然裡面大部分都是教授，但李國聰也名列其中，可見他的實力是被肯定的。
　　歷代名家的水墨畫都有一種空靈的氣韻，這是西方的油畫和水彩畫所欠缺的，我曾經去參觀過奇美博物館，裡面全部都是西方名家所畫的油畫，說它優美、宏偉都可以，但就是缺乏一種空靈的氣韻！猶記得有一次我去台北故宮博物院，站在北宋畫家范寬那幅山水畫「谿山行旅圖」的前面，畫中高聳的山勢，大氣磅薄，震撼人心，但除了雄厚撼人的氣勢之外，也感受到一股空靈的氣韻。還有那一幅「清明上河圖」長卷，畫中描繪的是北宋時期汴梁的繁盛景象，雖然此圖內容豐富，場面複雜，也不是山水畫，而我依然覺得有一股中國畫特有的空靈氣韻飄然而來，使我駐足欣賞良久，不忍離去！
國聰老師表示：「西畫的美只是一種『視覺的美』，但水墨畫的氣韻之美能直入你的內心深處。」我相信李老師會選擇畫水墨畫就是因為喜愛水墨畫的空靈氣韻！有不少人本來是學西畫的，後來強烈感受到水墨畫的氣韻之美而改學中國畫。和郭雪湖齊名的林玉山就是其中一位，他在日治時期曾到日本學西畫三年，有一次在東京參觀中國畫家和日本畫家合辦的中日美術展，對於水墨畫的空靈氣韻感受非常深刻，於是放棄西畫科，改習東洋畫科。
那麼是什麼因素形成水墨畫的空靈氣韻？
　　宋代郭若虛在他著作的「圖畫見聞志」論氣韻時說：「如其氣韻，必在生知，…人品既已高矣，氣韻不得不高。」意思是說：「氣韻是天生的，人品是後天的，可以修養得到，人品高了，氣韻自高。」也就是說一個人的品德高了，他的畫作境界自然也會跟著提高而有生動的氣韻。中國歷史上的大部份畫評家都是類似這樣的主張，他們高舉道德大旗，認為要提高繪畫的境界，要先「正己」，做一個有品德的君子。
　　國聰老師反對這種說法，他認為道德是道德，藝術是藝術，兩者是不相關的。李老師舉蔡京（北宋的宰相）為例，他說蔡京是歷史上有名的貪官，但他的作品卻有很高的藝術境界，品德如此差，但作品的境界卻如此高！現代藝術評論家的看法大致和李老師的看法相同，咸認為「真善美」三者之間，「善」和「美」沒有關聯，一位品格很善良的人，不見得繪畫的作品會很美；「真」和「美」也沒有關聯，照相機拍攝出來的照片對照實景是很真實的，但毫無氣韻可言，水墨畫對照實景，其真實度低，但卻有氣韻之美！
水墨畫的氣韻既然和人品無關，那麼和什麼有關？
　　南北朝時南齊謝赫在他的「古畫品錄」中列舉六法，其中提到「骨法用筆」，就是畫法上的鈎勒等筆法，以及運筆的輕、重、疾、徐，會造成線條的很多變化，山水畫中的皴法（就是在已成的輪廓上染擦線條或點），線條的變化就很多。功力強的畫家在運筆的過程中所畫出的線條自有一種風韻，因此線條是形成水墨畫氣韻的因素之ㄧ。
　　而功力差的畫者爲何畫出的線條毫無風韻可言？原因是犯了以下「三病」。「圖畫見聞志」指出：「畫有三病，皆係用筆。一曰板，二曰刻，三曰結。腕弱筆痴，平扁不圓謂之『板』，筆跡顯露妄生圭角謂之『刻』，欲行不行，當散不散，如物凝滯，不能流暢，謂之『結』。」運筆避開這三種毛病之後，線條才有風韻可言。
　　國聰老師曾說：「我們內行的人，只要看你畫一小段線條，就知道你的水墨畫學了5年，10年，還是30年？」有一次他的學生交來一張水墨畫作業，他光是看了畫中玫瑰的刺的線條，就知道畫者至少有30年的功力，所以不可能是學生自己畫的，後來這位學生坦承幫他畫這張作業的人，是一位50多歲的畫家。因此雖然線條是形成氣韻的一個因素，可是要運筆到能夠「隨意揮洒，以形寫神，風彩飄然」的境界，卻需要累積幾十年的工夫。
除了線條之外，用墨也很重要，清代沈宗騫在他的「芥舟學畫編」中說：「墨者縑素，籠統一片，是為死墨。濃淡分明，便是活潑。死墨無彩，活墨有光。天下之物，不外形色而已，既以筆取形，自當以墨取色。故畫之色，非丹鉛靑絳之謂，乃在濃淡明晦之間，能得其道，則情態於此見，…所謂氣韻生動者，實賴用墨得法，令光彩煥然也。」大意是說：水墨畫的顏色，不一定要用紅、綠等顏色，即使只有黑墨，只要從濃墨到淡墨畫出很多種不同的層次（通常以五種來概括），；則看起來就像是有色彩的畫。所以沈宗騫主張「用墨得法」，就會氣韻生動！
　　在水墨畫家的眼中「墨分五彩」，意即單一的墨色可以分出許多的濃淡來，從濃到淡有五個層次：焦墨、濃墨、重墨、淡墨、清墨。但依傳統的說法，這五彩則是指「濃、淡、乾、溼、焦」。不論哪一種說法，都是要求繪畫時，黑色要有豐富的變化，不可以只是一、兩種墨色。若能讓墨色五彩紛披，蒼潤秀逸，則氣韻自生！
　　在線條、用墨之外，國聰老師認為水墨畫的「留白」也是生出氣韻的一個很重要的因素。曾經有一位水墨畫理論家這樣說：空即是色，因此留白不空，留白不白，這才是「留白」真正的意境所在。所以齊白石畫蝦，圖中的留白可以讓人感受到水的清澈；徐悲鴻畫馬，圖中的留白使人體會到風的速度；「寒江獨釣雪」的留白，則讓人覺得煙波浩渺，滿幅皆水。所以「留白」是空曠無言的美，也是一種空谷幽蘭的禪心，使水墨畫不但有空靈的氣韻也顯出了禪味。
　　在人類的三大高級文明－西方文明、印度文明和中華文明之中，大致來說，西方文明的本質是科學取向，印度文明是哲學取向，中華文明是藝術取向。爲什麼說中華文明是藝術取向？君不見中國的傳統文學、音樂、舞蹈和繪畫等等都充滿了空靈的氣韻？這種氣韻並非水墨畫所獨有。請看蘇東坡這首「水調歌頭」：

明月幾時有，把酒問青天，不知天上宮闕，今夕是何年？我欲乘風歸去，唯恐瓊樓玉宇，高處不勝寒。起舞弄清影，何似在人間…

　　整首詞充滿了空靈的氣韻，不知有哪首英詩，也能有這樣的韻味？很多唐詩、宋詞的感動力都是勝過英詩的（請上網google《蔣勳談生活裡的唐詩》）。甚至連「心經」都充滿了空靈的氣韻！很多人喜歡誦讀心經，其實並不了解內容，只是因為喜歡心經的詞句散發出的一種空靈的氣韻！專家認為西洋古典音樂是最高級的音樂形式，但是藝術最重要的是在於有沒有感動力！而不是豪華和排場。一曲「雙泉映月」的二胡獨奏，其空靈幽怨的感動力可能勝過百人樂隊演奏的西洋古典音樂！
　　科學雖然很有用，但卻不是萬能，在哲學和藝術的範疇，科學是無用武之地的，甚至是一種妨礙。就哲學來說，六祖慧能這首偈：

菩提本無樹，明鏡亦非台，本來無一物，何事惹塵埃？

　　如果使用科學分析，一定無法理解爲什麼菩提樹不是樹？鏡台不是台？明明有山川大地，爲什麼「本來無一物」？這個偈只有高度的智慧才能領悟！
　　如果將號稱西方哲學之王的康德的代表作「純粹理性批判」拿來和印度的大乘佛學「唯識論」相比，就可看出前者只不過形同戲論，而後者卻充滿了生命的智慧，兩者相比簡直是小巫見大巫！可見西方雖然科學發達，但哲學不見得就比較高明。
　　同樣地，西方藝術的「高度」其實也是很有疑問的。西方的畫家在繪畫時，由於其「科學的文化習慣」作祟，喜歡採用「透視法」（很科學！），也重視光影的變化，但這樣畫出來的畫當然很接近實景，也就是形似。正因為形似，韻味就失去了！因此奇美博物館中數十幅追求形似的西方古典派油畫作品，只有視覺上的美感，但卻欠缺感動力！蘇東坡說：「繪畫以形似，見與兒童鄰」，意思是說：如果繪畫只是要將形體畫得很像，這樣的見解和兒童的層次差不多。
　　西方一直要等到19世紀接觸了東方繪畫，受到激盪而產生印象派之後，才知道應捨棄形似，要轉而注重情感的抒發。印象派大師梵谷1889年的繪畫作品「星夜」，畫中捲動的星空，表現的是梵谷心中激動的情感。「星夜」是有其韻味，當然這種韻味和水墨畫的空靈韻味大不相同。印象派是在19世紀才出現，而宋代的寫意水墨畫卻早在十一世紀就有了，比西方的印象派足足早了8百年！也可以從「詩中有畫，畫中有詩」的唐代詩人兼畫家王維算起，因為他的水墨畫創造出抒情的意境，也是只求神韻，不求形似。若是從王維算起，更是比西方的印象派早了一千年！
　　我們觀察中國畫的歷史，從中國繪畫史上第一位有名的大畫家－東晉的顧愷之算起，一直到把水墨畫推上登峰造極頂峰的元代四大家－黃公望、王蒙、吳鎮、倪瓚為止，總共經過了大約一千年。這期間不斷的傳承，累積技法，例如國聰老師在他的「元朝繪畫」的演講中說：「黃公望的技法就是師法五代的董源和釋巨然，但他自己也有創新。」董源善於畫山水，其山水畫有水墨畫和青綠山水兩種，他的青綠山水是師法唐朝的李思訓，李思訓則開展了隋朝展子虔的青綠山水。於是就這樣由歷代的畫家不斷地師法前人，並開創新的技法，經過千年的慢慢演變，水墨畫動人的空靈氣韻也就越來越濃郁！
　　山水畫到了元朝，大量文人加入創作，因而提高了繪畫的意境，解脫了形象的追求，山水不再是自然客觀的山水，山水變成他們內心的獨白。元代四大家之一的倪瓚說：「余畫竹，聊以寫胸中之逸氣耳。」由這句話我們就可以理解，爲何元代山水畫的成就能登上空前的頂峰？因為一幅畫能抒發畫者的情感，才會有最強的感動力，而感動力的強弱，決定了這幅畫的價值！
元代山水畫的意境和技法既然已登上頂峰，明代的山水畫也就很難超越前人，只能開仿古的畫風。但藝術的生命力是在於創新，若無新意，則韻味漸失，因此山水畫到明清逐漸衰落。不過明清也有少數畫家執意創新，例如徐渭，他創立了「大寫意畫法」，其花鳥畫筆墨狂放，淋漓盡致，比起元代畫家的「逸筆」，更具有一種動力感和野拙的生機！清代的八大山人、石濤、揚州八怪、齊白石等人都受到他的很大影響。
　　李國聰也是屬於這種創新型的水墨畫家，他的近期作品，有很多都融入了西方水彩畫的技巧，由於他的水墨畫和水彩畫的功力都很強，因此畫出的作品兼有水墨畫的空靈氣韻和水彩畫的優美亮麗，實在了不起！本來空靈的氣韻和亮麗這兩種氣質是衝突的，有不少畫家在進行這樣的「融合」繪畫時，只見亮麗，卻不見空靈的氣韻，也就是東方的風格不見了！
　　讓我們來看李國聰畫的那一幅「無奈」水墨畫（見彩色頁附圖四），這幅畫用筆簡練，意境深遠，畫出澎湖一個小村落早晨的市塲買賣情景。左邊用濃淡不同的墨色，恰當地表現出咕咾屋厚重的牆壁。遠方的樹木，筆墨飛舞，自由揮寫，顯得生意盎然。那些買賣的人群和躺在地上一臉無奈的狗皆筆法靈活，形象生動。整幅畫墨色富於變化，用色含蓄，留白得宜。雖然右邊盆栽的陶缸和人們的衣物等處有使用到光影變化的西方水彩技巧，但整體來看這幅畫仍然是屬於東方的，因為有一種空靈的氣韻！市塲的喧鬧打擾了這隻狗的安靜生活，使牠顯得無奈，只有像李老師這樣的藝術家，才會有這種體貼和觀察入微的心思吧！
　　不僅僅是這一幅「無奈」，他的很多其他水墨畫，融入水彩畫的技巧也都很自然，沒有鑿痕。他已經成功地創新了一種水墨畫的新風格－融入水彩畫技巧的水墨畫，並且還依然能保有空靈的氣韻！這幾年他也創作半抽象的水墨畫，例如他畫的「荷花系列」中的其中幾張（見彩色頁附圖三），但是看起來依然有東方的韻味。以李國聰高超的繪畫功力，來從事水墨畫的創新，相信一定會爲水墨畫走出一條新路！

　李國聰水墨畫欣賞及說明：
單一墨色的水墨畫附在下面，彩色的水墨畫請看彩色頁第　頁。
（一） 月圓之夜
墨色富於變化，五彩紛披，畫中的留白造成一種夢幻幽微的感覺。
（二） 初醒
　　簡練的線條和用墨，恰當地表現出剛睡醒的貓的慵懶神態。
（三） 雪夜
半抽象的水墨畫，右下角兩人在朋友家酒足飯飽之後，冒著冬天夜晚刺骨的寒風和大雪，走在回家的路上。整幅畫韻味不俗。
（四） 墨荷
　　兩隻樹梢上的小鳥和荷花，構成一幅生動的畫面。月下的荷葉形象生動，生意盎然。原圖的月亮是橘色。

　彩色頁的水墨畫說明：
（一） 雪山夕照
山嶺氣勢磅礴，多種皴法渾然一體，墨法靈動，林木森然高聳，林間有放牧的牛群。整幅畫看起來氣韻生動且極為震撼！
（二） 秋景
　　筆墨瀟灑流暢，濃淡墨色極富變化，梅樹和禽鳥的神韻油然而生。
（三） 醉意
　　這是一幅大寫意荷花，墨韻酣暢，大氣非凡，融進了畫者濃烈的　　感情，是李國聰荷花系列的力作。
（四） 無奈
　　本幅畫在文中已有詳細介紹。
　　

附件:

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  (一)月圓之夜.jpg (95.80 KB)


  (二)初醒.jpg (56.59 KB)


  (三)雪夜.jpg (82.53 KB)


  (四)墨荷.jpg (65.91 KB)


  午後夏雨.jpg (81.56 KB)


  李國聰的水墨畫作品：千山獨行.jpg (121.10 KB)